Découvrez 5 étoiles montantes de la décoration révélées au festival Design Parade 2026

En bref :

• La Villa Noailles à Hyères a accueilli la 20e édition du concours de design et la 10e dédiée à l’architecture intérieure.
• Cinq talents émergents ont marqué cette session : Clément Pasquier, Boris Cojean, Valentin Bayoud, Jaemo Lee, et le duo Carlotta Lagazzi & Yohann Hubert.
• Leurs créations explorent des matières naturelles, la mémoire culturelle et des formes innovantes du design d’intérieur.
• Le festival met en lumière une nouvelle génération engagée dans un art de vivre sensible, mêlant scénographie, réemploi et expérimentation.
• À Toulon, une exposition liée révèle aussi les connexions entre textile et décoration, à ne pas manquer pour les passionnés.

Clément Pasquier, quand le liège évoque un temps suspendu

Le parcours de Clément Pasquier s’inscrit entre design, architecture intérieure et scénographie. Formé à l’École de Condé à Paris, ce designer a su capter l’attention cette année grâce à « Temps Perdu », une installation immersive inspirée de la chambre de Marcel Proust. Il reprend ce lieu de retraite intime où l’écrivain avait tapissé ses murs de liège pour s’isoler du monde extérieur, mais propose une interprétation contemporaine et presque monochrome. Le liège ne se limite pas aux murs : murs, plafond, sol, meubles et même les stores s’uniformisent dans cette matière naturelle.

Ce choix ne relève pas seulement d’une esthétique, il instaure un rapport particulier à l’espace et au temps. La texture végétale du liège mêlée à une légère odeur rappelle les forêts de chênes-lièges, une sensation presque réconfortante. Le mobilier d’époque, chiné dans le Var, est figé sous une couche de plâtre-liège, brouillant les frontières classiques entre décor et architecture. Cette pièce semble comme suspendue, hors du tumulte du quotidien.

Clément Pasquier a aussi conçu des appliques qui se fondent dans les lignes de la Villa Noailles, œuvre emblématique de Robert Mallet-Stevens, renforçant un dialogue subtil entre le contemporain et l’historique. L’ambition ne se limite pas à l’objet mais touche à l’expérience sensorielle, donnant à voir un autre visage de la décoration d’intérieur où le matériel se fait mémoire vivante.

Dans un environnement où l’innovation privilégie souvent les matériaux high-tech, cette démarche rappelle la richesse des ressources naturelles et leur pouvoir d’émotion. Elle offre aussi un parallèle avec des mouvements actuels qui valorisent des pratiques plus durables et locales, un sujet qui résonne encore plus fort en 2026.

Boris Cojean et la cire : une matière fragile au cœur de la création

Né en 2000 à Saint-Malo, Boris Cojean a su mêler ses compétences entre design d’objets et chef décorateur pour le cinéma. Sa pièce « Maison Jaune » propose une immersion complète dans un univers fait de cire, hommage évident à Van Gogh et aux couleurs impressionnistes de la Provence. L’ensemble de l’installation s’appuie sur une cire composée d’abeille, soja et paraffine, déclinée sous diverses formes : coulures délicates sur des colonnes, textures appliquées au pinceau sur des toiles ou rideaux, et même une table et chaise travaillées avec patience pour évoquer le marbre et le bois.

Le caractère éphémère de la cire intrigue. En effet, cette matière peut se patiner, fondre et renaître autrement, symbolisant une forme d’inconstance maîtrisée. Ce choix confère à la création une temporalité particulière, alignée avec des idées contemporaines sur la matérialité changeante, mais aussi sur la nécessité d’accepter l’impermanence dans l’art de vivre et la décoration.

Entre lumière douce et nuances ocre, jaune ou vert, le travail de Boris se manifeste comme une pause presque méditative. L’auteur joue habilement sur ces textures pour capter l’attention et interpeller le visiteur sur sa propre relation à la matière. C’est un régal pour les yeux, mais aussi une belle invitation à repenser la notion même de mobilier et d’espace.

On retrouve dans ce projet un vrai sens de la narration, très lié à l’histoire personnelle de l’artiste, ainsi qu’à ses expériences dans le monde du cinéma. Une façon d’introduire dans le design une dimension dramatique et sensorielle peu commune.

Valentin Bayoud redéfinit l’intérieur par l’eau et la terre

Valentin Bayoud présente une idée forte avec « Aqua Primitiva ». Ce projet réinterprète la notion du foyer, élément symbolique ancestral : lieu de rassemblement et de vie parmi les plus anciens dans toutes les cultures humaines. Sauf qu’ici, l’eau remplace le feu traditionnel, figurée par une vasque en verre massif emplie d’eau et accompagnée de sons aquatiques apaisants.

Une structure en bois brûlé rappelle discrètement la flamme absente tandis qu’une banquette circulaire en lin installe le visiteur dans un espace sans hiérarchie, pensé pour l’échange et la contemplation. Le sol en pierres du Var côtoie des murs en argile, matériau vivant qui régule l’humidité ambiante naturellement, assurant un confort thermique sans intervention mécanique.

Cette approche conserve un lien fort avec des pratiques anciennes, notamment celles des bergers provençaux qui construisaient des abris en pierres sèches, tout en insufflant un regard contemporain sur l’écologie intérieure. On est face à une proposition qui mêle une réflexion profonde sur le rapport à la nature et à l’habitat, tout en affirmant une certaine modernité sensible.

Valentin Bayoud évoque souvent son intérêt pour des constructions mésopotamiennes vieilles de 9000 ans où seul le foyer brisait l’orthogonalité stricte des angles. Ici, l’eau prend la place du feu, illustrant ainsi une transition symbolique vers l’élément qui influence notre futur sur la planète.

Les innovations naturalistes au service du design d’intérieur

Dans cette idée, on remarque une vraie volonté d’avoir une approche respectueuse et intelligente des matériaux. C’est un contraste avec certaines pratiques standard de décoration plus frénétiques, où la tendance prime souvent sur le sens originaire. Il y a aussi un souffle nouveau qui correspond à une génération de designers prêts à déconstruire les usages habituels.

Jaemo Lee : un voyage surréaliste entre intérieur et nature

Jaemo Lee, diplômé de l’École supérieure d’art et design de Saint-Étienne puis de la HEAD de Genève, propose un espace où le rêve s’immisce dans le réel. Sa pièce « La Chambre des oiseaux » s’affirme comme une passerelle entre intérieur et extérieur, où la nature devient actrice du décor.

Le Coréen s’inspire clairement du surréalisme, s’appuyant sur la figure de l’oiseau, symbole de liberté et de l’inconscient. Il imagine un ensemble d’objets – un mobile fait uniquement de cintres, des appliques anciennes coiffées d’abat-jour, une table couverte de plumes, et un meuble percé d’une fenêtre pour observer les oiseaux qui volent au-dessus de la Villa Noailles.

Un sol en damier très Dalí, des rideaux flottants évoquant les vagues de la mer, et une pendule dont le tic-tac semble hypnotiser l’espace viennent renforcer l’expérience immersive. C’est un espace où la nature impose sa présence et questionne notre rapport aux frontières entre l’intérieur et le vivant.

Jaemo Lee invite à réexaminer ces limites souvent fixées dans le design d’intérieur, en mixant héritage esthétique et innovation narrative. Sa création interpelle également sur notre manière d’habiter, et sur cet équilibre fragile entre protection et ouverture.

Carlotta Lagazzi et Yohann Hubert, une balade entre réemploi et poésie nautique

Le tandem d’architectes bruxellois a su capter la mélancolie et la rêverie d’un marin immobilisé à terre. Carlotta Lagazzi, également skippeuse ayant navigué seule un an en Méditerranée, et Yohann Hubert transforment des matériaux nautiques issus du recyclage en mobilier poétique et organique.

Leur installation « Overflowed » convoque toute la poésie liée à la mer. Une coque de dériveur olympique sert de base à une méridienne, tandis qu’une suspension taillée dans ce même bateau offre une lumière douce et brute. Les voiles d’Optimist des années 1990 deviennent rideaux et textile-ingrédient du décor. De petits détails comme des interrupteurs roses ou des éléments en aluminium rappellent ce vocabulaire marin sans jamais faire cliché.

Le projet s’inscrit dans une démarche très concrète de réemploi, mais il évite aussi tout écologie dramatique. Ici, il s’agit plutôt d’une invitation à ralentir, à redécouvrir la richesse des objets et matériaux qui nous entourent, comme l’a illustré Franco Cassano dans ses réflexions sur le temps et la complexité du monde.

Ce salon de lecture méditatif se présente comme une traversée douce entre introspection et rêve d’évasion, très en accord avec les enjeux contemporains liés à la réutilisation créative, une idée dont on parle beaucoup sur ces tendances en architecture d’intérieur.

Le festival Design Parade 2026 ne se limite pas à ces créations. À proximité, l’Hôtel des arts de Toulon révèle aussi une exposition liée aux liens entre mode, textile et décoration. Intitulée « Suivez le fil », cette manifestation présente des œuvres issues des archives du Centre Pompidou et du CNAP, montrant comment le textile transforme encore le design de façon plus humaine et tactile.

Les visiteurs y retrouvent des meubles inspirés par les techniques et matériaux de la mode, ainsi que des créations phares du XXe siècle évoquant des figures comme Eileen Gray ou Sonia Delaunay. Côté contemporain, Jeanne Vicerial propose une technique de « tricotissage » qui donne naissance à des sculptures textiles originales.

Cet accrochage complète l’expérience déco de l’été dans la région, pour qui veut saisir ces influences croisées, si importantes dans l’art de vivre actuel. Cela rejoint certaines idées plus larges sur le charme méditerranéen dans la décoration, que l’on retrouve par ailleurs dans certains articles comme cette analyse autour de la décoration d’intérieur en bord de mer.

Qu’est-ce que le festival Design Parade met particulièrement en avant ?

Le festival encourage la découverte de talents émergents en design d’objet et architecture d’intérieur, en valorisant des créations innovantes et ancrées dans des réflexions sur l’usage et le contexte.

Comment Clément Pasquier utilise-t-il le liège dans son installation ?

Il recouvre tous les éléments de la pièce, murs, plafond, meubles, par un mélange liège-plâtre, créant une monochromie et une ambiance immersive qui évoque la chambre de Marcel Proust.

Pourquoi la cire est-elle un matériau central pour Boris Cojean ?

Parce qu’elle symbolise l’éphémère : elle peut être fondue et refaite, renouvelant sans cesse les objets, ce qui confère à ses créations une dimension temporaire et poétique.

Quel message Valentin Bayoud transmet-il avec Aqua Primitiva ?

Il revisite le foyer traditionnel en remplaçant le feu par une vasque d’eau, soulignant le rôle renouvelé de cet élément naturel dans nos intérieurs et l’écologie.

Quelle technique textile particulière est présentée à Toulon ?

Jeanne Vicerial propose une méthode appelée « tricotissage », qui combine tricot et tissage pour créer des sculptures textiles uniques.